“Vague Pure Affection” de Thought-Forms (1901) de Annie Besant y Charles Leadbeater, ilustrando la creencia teosófica de que las emociones y los pensamientos crean auras visibles.
¿Qué puede aprender el diseño de interacción del arte contemporáneo?
Cuando hablamos de interacciones en el contexto del diseño, puede parecer abstracto o inmaterial. Sin embargo, desde los primeros días de la informática, las interacciones siempre han estado ligadas a algo tangible—considera los ratones y teclados que unen los mundos físico y digital.
La materialidad del diseño de interacción, tal como lo explora Mikael Wiberg en The Materiality of Interaction, destaca cómo los materiales que usamos pueden afectar la experiencia del usuario. Esta comprensión crítica puede enriquecer las experiencias de usuario al reconocer los elementos físicos y sensoriales involucrados.
Wiberg pide un «giro material» en el diseño de interacción, instando a los diseñadores a centrarse en los aspectos tangibles de las interacciones en lugar de las representaciones digitales. Al abrazar este cambio, podemos crear experiencias significativas que resuenen con los usuarios más allá de la pantalla.
Por qué el arte contemporáneo es crucial para el diseño de interacción
Como sugiere el título, en The Materiality of Interaction, Mikael Wiberg explora los aspectos tangibles del diseño de interacción. Discute cómo los materiales que elegimos pueden afectar profundamente la experiencia del usuario, alentando a los diseñadores a pensar críticamente sobre sus elecciones. Este libro es esencial para cualquiera que busque crear interacciones más significativas.
El arte contemporáneo, particularmente la experimentación vanguardista, tiene mucho que ofrecer al diseño de interacción en términos de materialidad. Pioneros como Kandinsky y Cézanne desafiaron nuestras percepciones de los materiales, abriendo el camino hacia una conexión más profunda con las experiencias sensoriales.
Consideremos las instalaciones específicas del lugar—obras de arte diseñadas con una gran conciencia de sus alrededores físicos, que interactúan con el espacio que habitan. Estos artistas a menudo prototipan y prueban, asegurándose de que sus creaciones se alineen con el entorno.
Por el contrario, el diseño de interacción a menudo carece de este tipo de conciencia contextual. Con demasiada frecuencia, los productos digitales se desenganchan de los espacios en los que se utilizan. Esta desconexión puede llevar a distracciones, desviando la atención de los usuarios del mundo físico.
Instalación de Olafur Eliasson en el Museo de Arte ARoS Aarhus, mostrando experiencias inmersivas de luz y color que comprometen a los espectadores con su entorno. Foto de Julia Taubitz.
Diseñar con el contexto en mente
Al diseñar productos digitales, rara vez consideramos el contexto en el que se usarán—detalles como la iluminación, la temperatura, el ruido u otros dispositivos en juego. Estos factores son críticos para las experiencias materiales de los usuarios y a menudo se pasan por alto.
Adoptar una mentalidad específica del lugar puede llevar a experiencias de usuario más significativas que no solo encajen en la vida de los usuarios, sino que también gestionen la atención de manera reflexiva, asegurando que el diseño potencie la presencia y el enfoque en lugar de contribuir a la distracción.
